Biografía

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Howe nació nació en China en 1899. Su padre se trasladó a los Estados Unidos ese mismo año para trabajar en el Ferrocarril del Pacífico Norte y en 1904 su familia se trasladó a vivir con el. Se instalaron en Pasco , Washington, donde regentaron una tienda. Desde pequeño, tubo interés en la fotografía, y su priméra cámara fue una Brownie. Estas cámaras empezaron a fabricarse en 1900, por Eastman Kodak. Fueron las primeras cámaras dirigidas a un público masivo, ya que eran muy baratas, y gracias a ellas se introdujo el concepto de “instantanea”. Tras la muerte de su padre, el adolescente Howe se mudó a Oregon para vivir con su tío y desarrolló brevemente ( 1915-1916 ) una carrera como boxeador de peso gallo. Más tarde Howe se mudó al área de San Francisco Bay con la esperanza de asistir a la escuela de aviación , pero se quedó sin dinero y se fue al sur, a Los Ángeles , California. Una vez allí, Howe tuvo varios trabajos ocasionales , incluyendo el trabajo como repartidor de un fotógrafo comercial y como ayudante de camarero en el Beverly Hills Hotel.

Un día,  se encontró casualmente con un antiguo colega de boxeo que trabajaba en un corto, le presento al director de fotografía Alvin Wyckoff. Howe consiguió un trabajo de bajo nivel en el laboratorio de esa película en el famoso estudio Players- Lasky . Poco tiempo después fue llamado para trabajar como “claqueta” en la película “The Little American” y contactó con el director de la película muda Cecil B. DeMille . DeMille lanzó su carrera como ayudante de cámara . Para ganar dinero adicional, Howe tomó fotos publicitarias de las estrellas de Hollywood. Una de esas fotografías fijas lanzó la carrera de Howe como director de fotografía cuando se topó con la actriz Mary Miles Minter. Consiguió que sus ojos azules destacaran entre el blanco y negro, buscando que pareciesen más oscuros, para ello, la fotografió mientras ella estaba mirando a una superficie oscura. Minter solicitó que Howe fuera el director de fotografía en su siguiente película , y Howe consiguió los primeros planos de Minter para “Drums of fate”  colocando terciopelo negro en un marco grande alrededor de la cámara . Desde entonces, y a lo largo de toda su carrera, Howe tuvo la reputación conseguir que las actrices se  vieran lo mejor posible a través de la iluminación y en otras ocasiones recurría a la utilización de gasa u otros materiales sobre el objetivo para suavizar los rasgos.

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En 1928 , Howe estaba en China fotografiando las localizaciones para una película que esperaba dirigir . El proyecto nunca fue terminado (aunque algunas de las imágenes se utilizó en Shanghai Express) , y cuando regresó a Hollywood , descubrió que los ” talkies” (producciones sonoras) habían suplantado en gran parte las producciones silentes (de cine mudo). Sin ninguna experiencia en ese medio , Howe no podía encontrar trabajo. Por suerte, el director/productor Howard Hawks que había conocido en la pequeña estadounidense lo contrató para “The Criminal Code” y el entonces director William K. Howard lo eligió para ser el director de fotografía de “Transatlantic”.

El trabajo innovador de Howe en Transatlántica le restableció como uno de los principales cineastas de Hollywood , y trabajó de forma continua a través de los años 1930 y 1940 , por lo general en varias películas al año . Howe ganó una fuerte reputación de perfeccionista con el que podría ser difícil de trabajar ,e incluso de que reprendía a los demás miembros del equipo de filmación. Howe fue nominado para un Premio de la Academia en 1944 en el “Mejor Cinematografía : Blanco Negro” por su trabajo en la película de la “Air Force” , nominación que compartía con Elmer Dyer , ASC, y Charles A. Marshall.

A principios de la década de 1930 , mientras que en el MGM siempre había trabajado con el sobrenombre de ” James Howe ” , empezó a utilizar su nombre en películas como ” James Wong Howe “. A Howe se le impidió convertirse en un ciudadano estadounidense hasta la derogación de la Ley de Exclusión China de 1943. Antes de la Segunda Guerra Mundial, Howe conoció a su futura esposa, la novelista Sanora Babb, con quien se casó en 1937 en París. Debido a las leyes contra el mestizaje , el matrimonio no sería legalmente reconocida en los Estados Unidos hasta 1949.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, firmó un contrato a largo plazo con Warner Bros. Cuando caducó ,se fue a China para trabajar en un documental. Cuando regresó le calificaron de comunista, aunque nunca fue comunista, si se consideraba  simpatizante ya que su esposa Sanora Babb ,  había sido miembro del Partido Comunista. Se trasladó a México por un tiempo, y Howe de nuevo tuvo problemas para encontrar empleo hasta que el escritor / director Samuel Fuller lo contrató para rodar “The Baron of Arizona” .

Una vez restablecido , el trabajo de cámara de Howe continuó siendo de gran prestigio. En 1949  fue contratado para una película protagonizada por Greta Garbo. En 1956 , Howe ganó su primer Premio de la Academia por “The Rose Tattoo” . El director de la película, Daniel Mann, había sido originalmente un director de teatro y más tarde declaró que había dado a Howe el control sobre casi todas las decisiones a2cerca de la filmación. En 1957 con “Sweet Smell of Success” , Howe trabajó con el director Alexander Mackendrick. Durante la década de 1950 , Howe dirigió  “The Invisible Avenger , una de las muchas adaptaciones cinematográficas de “La Sombra” , y “Go, Man, Go!” , Una película acerca de los Harlem Globetrotters . Tampoco obtuvo éxito de crítica o comercial. En 1961 Howe dirigió episodios de “Checkmate” y “Distrito 87” para entonces reorientarse en la cinematografía.

La obra de Howe es casi en su totalidad en blanco y negro . Sus dos premios de la Academia ambos llegaron durante el período en el que los Oscars de Mejor Fotografía eran adjudicados por separado para el color y las películas en blanco y negro . Sin embargo , realizó con éxito la transición a las películas en color y obtuvo su primera nominación al Oscar para una película en color en 1958 por “El viejo y el mar” . Ganó su segundo Oscar por “Hud” en 1963. Su cinematografía evolucionó de una manera innovadora. Por ejemplo, empleó e lentes de ojo de pez y gran angular en “Seconds” (1966) para dar tensión a la películar . Después de trabajar en “Odio en las entrañas” ( 1970 ) , la salud de Howe comenzó a fallar y comenzó un semi-retiro . En 1974 , se recuperó lo bastante como para ser seleccionado como director de fotografía de reemplazo para “Funny Lady”, pero llegó a desmayarse durante el rodaje. Con Funny Lady Howe ganó su décima y última nominación al Oscar. Murió el 12 de Julio de 1976.

Contexto histórico/cinematográfico

El trabajo de James Wong Howe se extendió desde los años 20 hasta los años 70. Por eso vivió muy distintos panorámas cinematográficos a lo largo de toda su carrera, desde el star system y el sistema de producción de estudios, el salto del cine mudo al sonoro, o la revolución del color (aunque el se sentía más cómodo en el blanco y negro).
Hollywood y el Star System
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos. Al principio, los estudios cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica.
Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, en donde contaba más el peso del productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.
star systemCine mudo
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido.
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Cine sonoro
La siguiente gran barrera era incorporar sonido a las películas. En 1927, los estudios Warner Bros, que se encontraban en una muy delicada situación financiera, apostaron por integrar un nuevo sistema de sonido. El resultado fue El cantante de jazz, la primera película sonora de la historia. Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y pronto el cine mudo pasó a ser algo del pasado.
La aparición del cine sonoro originó un terremoto de proporciones entre los actores, pocos de los cuales pudieron dar el salto desde el cine mudo al sonoro. Viejas glorias fílmicas vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción o su pésima voz, y nuevas surgieron en su reemplazo.

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido. En el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, y con razón, que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a «pruebas de voz». A pesar de que la mayoría de los actores superaban las pruebas, actores significativos, aunque no por causa de la voz, quedaron en el camino (John Gilbert, Buster Keaton…).

Algunos directores de fotografía afirman que el cine sufrió un inmenso retroceso al llegar el sonoro, pues limitó enormemente las posibilidades creativas del mismo. Las cámaras hacían mucho ruido, y las filmaciones debían hacerse en riguroso silencio. Hacia 1928 se habían superado la mayoría de los problemas técnicos con los que se inició el cine sonoro, se inventó la «jirafa», el micrófono que se coloca en lo alto de la escena y se evitaron así las cámaras insonorizadas, pesadas y aparatosas, que impedían la movilidad en las escenas.

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Cine a color

La revolución del color en el cine la hizo la compañía Technicolor, el doctor Herbert Kalmus, fundador de la empresa, que había trabajado en ello desde 1917. Optó por la síntesis sustractiva de los colores., que consiste en sustraer el exceso de intensidad luminosa de los tres colores primarios que constituyen la luz blanca. Mediante emulsiones consiguió producir bicromáticamnte en un método mucho más sencillo. La emulsión se hacía en dos películas que se pegaban una a otra produciendo por un lado, en una especie de gelatina los colores rojo-anaranjados y por otro los verdes La primera película fue “The Toll of the Sea” (1922). Es de destacar “Los diez mandamientos” (The Ten Commandiments, 1923), “Ben-Hur” (Niblo, 1924), “El fantasma de la Ópera”, de Rupert Julian, 1925, y otras… Cuando se logró una película que no exigía pegar juntas las imágenes, sino que absorbía todos los colores nació el verdadero Technicolor (1928), que consiste en la impresión de los colores uno tras otro sobre una película única, para la proyección. Y se utilizan precisamente los tres colores complementarios (cian, magenta y amarillo) de la síntesis sustractiva. El azul asociado al verde da una paleta desconocida hasta entonces en la pantalla; en cuanto al rojo, saturado hasta el límite, permite reforzar la intensidad dramática. Ese rojo brillante es la firma del Technicolor.

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Etapa de cine mudo

Durante los años 20, James Wong Howe despegó como director de fotografía de numerosas películas mudas: “Drums of fate” (1923), “The Trail of the Lonesme Pine” (1923), “The Alaskan” (1924), “Peter Pan” (1924), “The King on the Main Street”(1925)”, “Man Trap” (1926), “Laugh, clown, laugh” (1928)

Fué la actriz Mary Miles Minter quien lo ayudó a encontrar trabajo, pues decía, que ningún otro fotógrafo había conseguido que sus ojos azules fueran expresivo. James lo consiguió colocando una tela de terciopelo negra alrededor de la cámara, de modo que los ojos de la actriz se oscurecían cuando ella miraba a cámara. La primera vez que trabajó con Mary Miles Minter fue en “Drums of Fate” y repitió despues la misma técnica en “The Trail on the Main Street”. Durante esta etapa, la película ortocromática utilizada para grabar era insensible a los tonos azules y verdes, que se transferian a blancos muy claros en la película en blanco y negro. Al oscurecerlos, conseguía así que los ojos azules resaltaran pero en compensación, los rojos y amarillos perdían potencia.

De la película ” The Trail of the Lonesome Pine”, ya existía una versión anterior, exactamente del año 1916. Y más tarde otra en 1936, ya en color. Howe solo fué camarógrafo en la 2ª, pero no cabe duda de la gran influencia que provocó en la versión en color, que prácticamente mantubo los mismos encuadres.

El estilo de Howe se caracteriza por el uso de las fuentes de luz, que provoca un efecto dramático y teatral. En los comienzos, el cine estaba fuertemente influenciado por el teatro, por eso creo que Howe componía las escenas y las luces para simular una escena teatral. Suele utilizar luces frontales para iluminar la escena y delimitar la zona donde se debe prestar atención. En ocasiones, esas luces provocan zonas de sombra muy fuertes, que aumentan la intensidad de la escena.

En esta escena de “Peter Pan” se puede ver como a James Wong Howe, le gustaban los encuadres amplios y la iluminación frontal que iluminaba a todos los actores. Esta película, al estar dedicada especialmente al público infantil, requería una iluminación intensa y alegre.

Howe filmando en Peter Pan

Howe filmando en Peter Pan

Un buen ejemplo de como las luces aportaban intensidad dramática a la película es la siguiente escena, perteneciente a la película “Laugh, clown, laugh”. En esta escena, el protagonista, Tito, muere tras una caida. Sus últimas palabras las pronuncia bajo una fuerte luz cenital, muy intensa, que deja el resto de la escena en negro.

Es en esta etapa cuando Howe ganó el apodo de “Low -Key ” a causa de su afición por la iluminación dramática y las sombras profundas , una técnica que llegó más tarde a ser asociada con el cine negroy que Howe siguió utilizando en el resto de sus películas. Además, ya desde la década de 1920, fue uno de los primeros en usar la plataforma móvil de cangrejo, una forma de carro de la cámara de cuatro ruedas independientes y un brazo móvil al que estába conectada la cámara.

Filmografía destacable I: “Body and Soul” 1947

Body and Soul, podría considerarse como la madre de todas las demás películas sobre boxeo. James Wong Howe, consiguió que nos olvidasemos del color rojo, tan presente en este deporte (los guantes, la sangre…) y presentó la historia en blanco y negro. Todo ello, bañado por una extraña luz que acentúa los blancos y oscurece los fondos, consiguiendo una imagenes con una luz artificial, y con mucho contraste.

Pero no solo es destacable por su iluminación. El movimiento de los planos y el dinamismo conseguido en las escenas de boxeo, se consiguieron gracias a que Howe ideó una manera de simular un trípode dolly, deslizandose por la escena en patines, asi conseguía un movimiento rápido pero suave.

Howe en patines

Howe en patines

Como antes decía, “Body and Soul” ha sido una gran influencia para todas las películas de boxeo posteriores. La comparación más clara es “Toro Salvaje”  (1980), dirigida por Martin Scorsese, y Michael Chapman en el apartado de fotografía. La fotografía en blanco y negro, los planos subjetivos en los momentos de boxeo, planos contrapicados, movimiento y dinamismo dentro de las escenas… Mejor, comparemos con nuestros propios ojos.

Filmografía destacada II: “La rosa tatuada” (1955).

En 1955, se adaptó la obra teatral “La Rosa Tatuada” de Tenesse Williams al cine, y James Wong Howe fue el director de fotografía. Su trabajo en la película le sirvió para conseguir un Oscar en 1956.

Desde el punto de vista de la composición de la fotografía, Howe lleva la atención del espectador al centro de la pantalla, colocando a los protagonistas en el centro, y en caso de que sean varios actores en escena, repartiendolos por todo el plano de un modo equilibrado.

Las composiciones, me parecen muy teatrales. Es típico del teatro no dejar huecos en el escenario para equilibrar el peso visual de cada zona, y más carácterístico es colocar a los personajes siempre en el centro. Es posible que Tenesse Williams, escritor de la obra y del guión, echase una mano a Howe para que la fotografía quedase lo más teatral posible. De hecho, las transiciones de una escena a otra, suelen hacerse por medio de un fundido a negro, como si de un cambio de escena teatral se tratase.

En cuanto a la iluminación, predominan las sombras y la oscuridad en las escenas en las que la protagonista se siente abatida y deprimida, mientras que juega con la luz en aquellas escenas en las que aparece Álvaro (Burt Lancaster), pues el simboliza la luz y el amor para la protagonista. La luz no sólo sirve para transmitir emociones, si no tambien para contextualizar y ambientar la escena, por ejemplo, cuando Álvaro y Serafina salen al porche, la luz proyecta la sombra de las hojas y ramas de los árboles, y las escenas del interior de la casa, se proyecta la luz de entre los bastidores de las cortina veneciana.

Filmografía destacable III: “Hud” (1963)

Howe volvió a ganar su segundo Oscar en 1963, con la película “Hud, el más grande entre mil”.

En este caso, Howe volvió a utilizar su especialidad, el blanco y negro. Pero al contrario que en “La rosa tatuada”, esta vez la apariencia de la fotografía resulta mucho más natural y suave.

En el film, abundan las escenas rodadas en exteriores, con muchos personajes, y Howe vuelve a conseguir equilibrar todo el plano componiendo la imagen con lineas rectas, paralelas.

600px-HUD_01 Hud Cowboy Pose (1)En interiores, la iluminación es mucho más luminosa que en otras películas de Howe, y en general no existe tanto contraste entre el fondo y lo que se encuentra en primer plano. A veces, las luces son demasiado duras y provocan sombras muy fuertes en las caras de los personajes.

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Filmografía destacada IV: “Seconds” (1966)

En el año 1966, Howe fue director de fotografía de la película “Seconds” (en España: “Plan diabólico), en la cual demostró no solo ser un genio de la iluminación, si no tambien ser capaz de usar de manera muy innovadora lentes para deformar la imágen, y conseguir envolver al espectador en un ambiente paranoico y lleno de tensión.

Desde los créditos, Howe usa lentes como el ojo de pez (como la Fisheye de 9,7 mm). Y abundan los planos subjetivos adheridos a los hombros de los protagonistas, cuyas prestaciones incrementan la sensación paranoica que desprende todo el film.  Además, juega mucho con el encuadre, sobretodo con los picados y contrapicados, transmitiendo amenaza en los planos subjetivos contrapicados, o confianza y exito en los planos abiertos, luminosos y picados.

En la película, existen numerosos travellings, y planos secuencia. En otras ocasiones usa la cámara al hombro para dar velocidad y dinamismo a las escenas, y otras veces está muy presente el uso del zoom.

Sin duda, una película que marcaría posteriormente a otros muchos cineastas. De hecho, no es difícil encontrar en un buen puñado de películas posteriores (como en Brazil de Terry Gilliam -atención al plano final de ambas películas-; Pi de Darren Aranofsky, Abre los ojos de Alejandro Amenábar o Cypher de Vincenzo Natali)